Aldea Cultural

Diez actrices del cine latinoamericano

2009-04-10T11:42:00.017-04:00

Con esta selección, empiezo una serie de artículos en los que destacaré actores, directores, películas y escenas específicas (acción, sexo, violencia...) del cine latinoamericano actual. Esto, claro, con absoluta conciencia de que elaborar listas siempre ha sido algo complicado porque los criterios de elección son demasiado subjetivos.

En este caso, opté por excluir la cinematografía brasileña (que tendrá una clasificación sólo para sí) y consideré actrices nacidas de 1970 en adelante, es decir, ésta es una especie de selección sub-40. Claro está, no tengo la pretensión de decir que son las mejores (quién soy yo para eso), ni siquiera digo que son las que más me gustan. Hay ausencias importantes, desde luego, pero me parece que las que siguen representan bien el enorme talento existente en el continente. Vamos a ellas.

Antonella Costa, Argentina (1980)

La primera de esta lista tal vez sea mi actriz latinoamericana preferida en este momento. Desde que hizo Garage Olimpo, su debut cinematográfico, vengo acompañando la carrera de esta argentina nacida en Roma (sus padres en ese tiempo estaban exiliados en Italia debido a la dictadura). Para destacar, están sus actuaciones en Hoy y Mañana —en la que interpreta a una aspirante a actriz que empieza a prostituirse por la falta de dinero y oportunidades— y Cobrador, excelente película de Paul Leduc que no tuvo la repercusión merecida. Lo más reciente de Antonella, No Mires para Abajo, nos muestra a una actriz ya madura; a estas alturas, no quedan dudas de que ella nació y está hecha para el cine.

Blanca Lewin, Chile (1974)

Aunque Ángel Negro, promocionada como la primera película de terror del cine chileno, tenga tantos seguidores como detractores, hay un punto que me parece coincidente: la impresionante caracterización de Blanca como la chica rara y solitaria del colegio. Ése es sin duda el gran mérito de la ópera prima del realizador Jorge Olguín. Sin embargo, fue a manos de otro director, Matías Bize, que la actriz pasó a tener su nombre reconocido incluso fuera de Chile. Eso ocurrió cuando Bize —que ya la había llamado para protagonizar un corto y un mediometraje, Sábado, filmado en tiempo real— la convocó para componer la Daniela de En la Cama, cinta que le rindió varios galardones internacionales, además de abrirle mercado en el exterior. Ángel y Daniela están interpretados con igual competencia por la misma actriz, lo que no es poco decir.

Marina Glezer, Argentina (1980)

El primer trabajo que vi de esta actriz fue El Polaquito, en que dio vida a la Pelu, la niña de la calle por la que se enamora el personaje principal del filme. Su desempeño fue muy bueno y junto con Abel Ayala (notable descubrimiento) formó un buen dúo en pantalla. Pero fue después de haber visto Roma que presté más atención a su carrera. Aparte de prestar su cuerpo para la imagen de promoción de la película (en una escena espléndidamente filmada por el maestro Adolfo Aristarain), Marina logra transmitir el estado de espíritu de su personaje valiéndose más de sus expresiones y silencios que de las palabras. Una actriz para ser observada.

Maya Zapata, México (1983)

De las actrices de esta lista, la única que debutó en el cine cuando aún era una niña es Maya Zapata, quien desde los tres años tiene experiencia frente a cámaras. Así, ya conocía algo de ella (Santitos) antes de ver De la Calle, cinta que la ubicó en el cine mexicano, más aun después de que significó la inclusión de un Ariel en su currículum. Su trabajo en cortometrajes es muy interesante (Volemos tomados de la mano, XX-XY, etc.) y su desempeño en Dos Abrazos fue sobresaliente. Recientemente, ha estado estudiando guión y preparándose para trabajar en producción, lo que demuestra un claro interés por ampliar su campo de actuación en el cine. Mi apuesta es que todavía escucharemos hablar bastante de ella, pues pese a su juventud es una actriz completa.

Melania Urbina, Perú (1977)

Melania es la primera de las representantes peruanas en esta lista, como no podría dejar de ser. He visto los nueve largometrajes que hizo, además de un cortometraje y un episodio de Tiempo Final, de Fox (que por cierto copió la reseña hecha por Aldea Cultural al componer el texto biográfico de la actriz en su sitio web*). Aunque el rol más recordado de Melania es por lejos el de la 'chica Dinamita' de Django, la otra cara, mis trabajos favoritos de ella son los que hizo bajo la dirección de Francisco Lombardi: Ojos que no ven y Mariposa Negra. Súmese a eso su actuación en Paloma de Papel y tenemos a una actriz capaz de representar con igual habilidad desde una niña dulce y algo inocente, hasta una jugadora sensual e insaciable, pasando por una joven terrorista y una mujer obsesionada por venganza. Me encanta.

Mónica Sánchez, Perú (1970)

La carrera de esta actriz en el cine es bastante singular porque, si bien está considerada como una de las principales del Perú, es difícil apuntar un trabajo suyo que se destaque en el panorama cinematográfico local. Pantaleón y las Visitadoras sería la respuesta obvia, pero sucede que ahí el peso de la cinta reposa más sobre los hombros de Salvador del Solar y Angie Cepeda. Pero me dispuse a conocer más de su trabajo y me encontré con dos largos —Imposible Amor y La Carnada— que son bastante llamativos, especialmente por el hecho de ser películas 'difíciles', que uno sabe que están dirigidas a un público muy reducido; la primera es particularmente rara y abstracta. Aun así, Mónica se la juega en las dos y en ambos trabajos su actuación sobresale por encima de todo lo que pueda desubicar al espectador. Una gran actriz, aún a espera de un gran personaje para vivir en la pantalla grande.

Natalia Verbeke, Argentina (1975)

Si tuviera que destacar una escena de la carrera de Natalia, seguramente la primera que me vendría a la mente sería aquella del hospital, con Ricardo Darín, en El Hijo de la Novia. La pantalla gigante del cine, la emoción palpable de su personaje sin decir ni una palabra, ¿cómo no querer saber su nombre luego y ver más trabajos suyos? Lamentablemente, su faena en el cine latinoamericano no ha sido extensa (ahora mismo sólo me recuerdo de la endeble Apasionados), así que luego la vi más en películas extranjeras como las angloestadunidenses Jump Tomorrow y Dot The I o la española El Otro Lado de la Cama, entre otras. Vale registrar que, pese a ser argentina, Natalia vive en España desde los cuatro años, y que allí construyó prácticamente toda su carrera.

Soledad Ardaya, Bolivia (1978)

Talento forjado en el reconocido y celebrado Teatro de Los Andes durante siete años, lo de Soledad Ardaya es un ejemplo de cómo es complicado ser actriz en un país sin imágenes. De haber nacido en otro lugar, probablemente ya tendría un número mayor de películas en su haber (tiene sólo dos), además de varios trabajos en televisión (?). Pero Soledad es boliviana, así que lo único que hizo en cine hasta ahora fue Di Buen Día a Papá, cuyos méritos estéticos y actorales la sitúan como una de las más valiosas cintas bolivianas, y Sena/Quina, una jodita de Paolo Agazzi de calidad bastante discutible pese a su excelente reparto. Un desperdicio para una actriz que tiene todos los elementos (talento, telegenia, belleza física y dedicación) como para convertirse en la mejor de su país y una de las mejores del continente.

Tamara Acosta, Chile (1973)

La carrera de Tamara despegó a fines del siglo XX, cuando ganó el status de 'musa del cine criollo', dado que en un determinado momento parecía que todos querían trabajar con ella. Y aunque su currículum ya suma más de una decena de largometrajes, su auge de popularidad aparentemente ya quedó atrás. Es también de esa época que se rescatan algunos de sus mejores trabajos, como ser El Chacotero Sentimental y Te Amo Made in Chile. En los últimos años, lo más interesante sin duda fue su pequeño papel en Machuca; su discurso en la reunión de padres y directores de colegio logró ser tanto más efectivo justamente por la enorme capacidad que tiene para atrapar al espectador con su presencia. Sigue siendo una de las mejores, pero le hacen falta personajes más complejos para que pueda demostrarnos una vez más de lo que es capaz.

Ximena Ayala, México (1980)

Apareció para la gran audiencia al interpretar una adolescente rebelde y carente de afecto en Perfume de Violetas, ganando de entrada premios en los festivales de La Habana y Guadalajara, además del Ariel a la mejor actuación. Con tan brillante debut, era de esperarse una carrera promisoria en el cine, pero la impresión que da es que todavía falta para que llegue su gran película. Historias del Desencanto (que no vi) parece explorar muy bien sus dotes actorales y su rostro particularmente expresivo (perfecto para la pantalla grande), pero la cinta posterior que destaco es Malos Hábitos, un trabajo de composición delicado de Ximena, en una película que sobresale por tener algo que decir. Una palabra para definir a la actriz: encantadora.

*No es una crítica; al contrario, puedo decir que me gustó :).

Foto superior: Soledad Ardaya en Di Buen Día a Papá, de Fernando Vargas y Verónica Córdova.

Alice y la vida a mil kilómetros por hora

2008-12-27T03:33:00.012-04:00

Hace un par de domingos concluyó la serie Alice, la tercera producción de la cadena internacional de televisión por cable HBO realizada en Brasil, luego de las bien sucedidas temporadas de Mandrake (2005 y 2007) y Filhos do Carnaval (2006).

Durante trece semanas y en igual número de capítulos, Alice narró la historia de una joven nacida y creada en la pequeña Palmas, ciudad ubicada en el norte de Brasil, de calles rectas y sin mucho movimiento. A punto de casarse, el personaje-título lleva también una vida tan planificada como el lugar en que habita. Sin embargo, el suicidio de su padre (al que poco pudo conocer) en São Paulo la lleva a la metrópoli de casi 20 millones de habitantes.

En São Paulo, Alice hace el tour de force obligado a la adultez, de manera dura y a ratos cruel. Allí encuentra a los más diversos personajes, que en algunos casos la salvarán y en otros la orillarán al abismo. La protagonista pasa entonces a vivir a 1.000 km por hora, dispuesta a adueñarse de la ciudad, hacerla suya y disfrutar de todo lo que ésta tiene para ofrecerle. Su aleccionador pasaje por la vertiginosa urbe termina siendo una experiencia transformadora, de ésas que marcan a uno por toda la vida.

De virtuosismo estético singular y una fotografía que sabe aprovechar las múltiples posibilidades brindadas por una ciudad tan fascinante como la capital paulista, la serie atrapa además por su excelente banda sonora, compuesta mayormente por los músicos Tejo Damasceno y Rica Amabis, con nota alta también para los temas Sem Mentira, de Fábio Góes, y Al, de Estela Cassilatti. Todos estos elementos son conjugados de manera brillante por Karim Aïnouz y Sérgio Machado, que comparten la dirección, logrando sin embargo mantener una unidad dramática y visual entre los episodios.

Es fácil darse cuenta del enorme cuidado con que ha sido realizada la serie, una característica más propia de las películas que de lo que se hace normalmente en televisión. Éste no es un detalle menor, porque ese esmero deriva no sólo en un producto mejor acabado técnicamente, sino en interpretaciones mucho más sólidas, tal como ocurre en el cine, y lejos de las actuaciones acartonadas a las que uno ya se ha acostumbrado en TV.

En cuanto al guión, quizás el elemento más criticado de la serie, hay que decir que si bien no es excelente, está lejos de decepcionar. Muy por el contrario, puesto que el interés en la trama no decae en ningún momento y esto en una serie no es nada fácil de lograr. Pero es cierto que algunas situaciones se resuelven casi 'porque sí' (o algunas veces de forma bastante discutible, como en el caso del embarazo de Alice) y que no se profundiza tanto en su desarrollo, especialmente en las historias paralelas.

Hay algunos pasajes con los que uno se identifica inmediatamente, pero otros se ven algo forzados, como el momento en que DJ, el gringo que viaja al día siguiente a Buenos Aires, seduce a Alice en el taxi, luego de elegir un tema en su iPod. Ese primer 'desliz' de la joven es perfectamente creíble, no así la manera en que cae, que más parece una solución efectista idealizada por los guionistas que una situación sacada de la realidad. Pero es tal vez ese uso desmesurado y a la vez acertado de los recursos lo que aporta fluidez a una historia que —siendo bastante riguroso— no proporciona grandes emociones, más allá de la empatía casi automática con los personajes.

Otro punto criticado de la serie ha sido un supuesto exceso de escenas de sexo, desnudez, drogadicción y consumo de alcohol. Acá sí estoy totalmente en desacuerdo, porque las escenas de relaciones no son más que las necesarias y si se ven muchas es porque el sexo está presente en la vida de las personas, así como las drogas, estas últimas en medida bastante mayor a lo que muchos se imaginan. El retrato hecho de la noche paulista es tan sólo una pequeña muestra (esteticista y demasiado potable, por cierto), porque aquélla es aun más alucinante y alocada, con una gama de personajes conformada (también) por putas, travestis, maleantes, playboycitos coqueados y toda clase de alpinistas sociales. Y al que no le gusta ver eso pues que se divierta con Rebelde o Floricienta y sea feliz, pero que no reclame, porque la vida es otra cosa.

Volviendo a la narrativa, ésta no es vertiginosa —como tal vez se podría suponer—, e incluso tiene varios silencios y vacíos, lo que es casi una marca registrada del director Karim Aïnouz. Quien conoce el cine hecho por el realizador cearense (Madame Satã, O Céu de Suely) sabe que sus historias están sustentadas en la empatía y fuerza de sus protagonistas. Son sus personajes/actores los que apasionan, no tanto así lo que es relatado. Si en la pantalla grande fueron Lázaro Ramos y Hermila Guedes quienes sostuvieron sus películas, aquí es Andréia Horta que, con una actuación magnética e irreprochable, hace que den ganas de seguir acompañando su aventura en la gran ciudad.

La actriz, que en la vida real también es escritora y vivió una historia parecida a la de su personaje (nació en la tranquila Juiz de Fora para probar suerte en São Paulo hace siete años), tiene todavía pocos trabajos en pantalla anotados en su currículum —tan sólo dos novelas y otra miniserie—. Pero después de esto, no sería nada raro que su carrera despegara incluso internacionalmente, con todas las vicisitudes que eso conllevaría. Aquí, ella se aferra y se apodera de Alice con tanta fuerza que sería injusto decir que interpreta bien su papel: de ningún modo, porque en estos trece episodios Andréia Horta es Alice. Y es en su carisma que quizás se encuentre el mayor triunfo de la serie.

Si Horta es un verdadero descubrimiento, el resto del reparto también ha sido elegido con mucho acierto. Qué bueno siempre es ver en escena a Sílvia Lourenço/Monique (Contra Todos, O Cheiro do Ralo) o a la encantadora Daniela Piepszyk/Regina Célia (O ano em que meus pais saíram de férias). La parte más experimentada del elenco es de lujo y dispensa mayores comentarios; incluso hay agradables sorpresas, como las participaciones más que especiales de Antônio Petrin/Kid Montana y Antônio Abujamra/Elder, o las breves pero logradas intervenciones de Paula Pretta y José Trassi, como la prostituta Marília y la travesti Luana Baygton, respectivamente.

En suma, Alice ha sido una serie muy entretenida que vino a ratificar la innegable calidad de las producciones de HBO y el excelente nivel de los realizadores y actores brasileños. Factura técnica impecable, elenco afinado, situaciones reconocibles y una apasionante São Paulo componen un mosaico que provoca muchas ganas de ver más. Ojalá haya una segunda temporada y que la cadena siga invirtiendo en realizaciones en Brasil y otros países del continente.

PD: Tengo grabados los episodios y los vi en un solo saque, en el feriado de Navidad. Uno tras otro. Fue extremamente fácil y nada cansador. Algo debe querer decir.

Alice

Producción: Gullane Films para HBO
País: Brasil
Fecha de exhibición: 21 de septiembre a 14 de diciembre de 2008
Directores: Karim Aïnouz y Sérgio Machado
Elenco: Andréia Horta, Carla Ribas, Daniela Piepszyk, Daneri Gudiel, Denise Weinberg, Eduardo Moscovis, Felipe Massuia, Gabrielle Lopez, Guta Ruiz, Juliano Cazarré, Luka Omoto, Marat Descartes, Olga Machado, Regina Braga, Renata Laurentino, Sílvia Lourenço, Vinícius Zinn, Walderez de Barros

Romeo y Julieta, un clásico con diferente ropaje

2008-12-06T01:39:00.013-04:00

El anterior sábado se estrenó en Santa Cruz de la Sierra la obra Romeo y Julieta, del grupo teatral Ditirambo, tradicional compañía cruceña que hacía ya un tiempo debía un nuevo trabajo al público local. Dirigida por Porfirio Azogue e interpretada por reconocidos actores del medio, la puesta fue presentada ante un importante marco de público que se dio cita al Paraninfo Universitario Humberto Parada Caro.

En esta enésima versión de Romeo y Julieta, Ditirambo apostó por llevar a escena una adaptación escrita en 2005 por la pareja española Olga Margallo y Antonio Muñoz de Mesa. Así, el clásico de Shakespeare ganó en esta ocasión un ropaje más liviano, con el humor manteniéndose durante toda la puesta y el aire a tragedia desvaneciéndose casi que por completo. Es una versión, digamos, desdramatizada de la novela y, por eso mismo, más palatable para todo tipo de público.

La obra tiene inicio con la proyección en pantalla de una pareja de ancianos (interpretados por Mocita Pedriel y Andrés Lladó), que sitúa al espectador dentro de la historia. Aunque esta intervención —que se repite por un par de veces a lo largo de la puesta— sea una opción bastante discutible en cuanto a su ayuda al desarrollo del relato, ambos actores están bien en la parte que les corresponde. Su presencia también da una pista segura al espectador acerca del desenlace de la obra.

Siendo ésta una historia superconocida del público, no se pierde mucho tiempo con explicaciones ni con el desarrollo de las acciones, quedando el conflicto bastante claro pero parcamente desarrollado, esto debido a la elección de presentar una propuesta despretenciosa, en que la música y el humor presentes en casi todo momento seducen a una audiencia que se deja cautivar por el carisma y la chispa del experimentado reparto. Y es que esta puesta fue concebida como una alegre celebración del amor, y en ese sentido se puede decir que el objetivo fue alcanzado, con buena nota tanto para el director como para su elenco.

De hecho, sorprende la pulcritud con que se presentó la obra en su estreno. No por dudar de la calidad de la gente involucrada, ni mucho menos. Ocurre que es normal que una primera presentación tenga algunos desaciertos en cuanto a actuaciones, movimientos y la puesta en sí, pero en esta ocasión todo salió con una corrección impresionante, y el trabajo que demostró el grupo fue solvente, quedando acá una mención especial a la labor del director, quien con mucho oficio llevó a escena este montaje, que tiene además números musicales lindamente interpretados, con una bella canción central, cuyo pegajoso refrán queda resonando después en la cabeza, lo que es un buen decir.

En cuanto al desempeño del elenco, José Miguel Lijerón y Elina Laurinavicius tienen actuaciones correctas como Romeo y Julieta; bonitos y carismáticos, ambos conquistan rápidamente a la audiencia. Por su parte, Carolina Soliz (madre de Romeo) realiza una labor convincente, mientras Elías Serrano (padre de Julieta) también cumple, algo perjudicado por un texto que no le permite lucirse más. Líneas más generosas tuvo Vanesa Fornasari, en el papel de la prima alegre y chismosa de Julieta, un personaje a todas luces muy reconocible.

Por otro lado, Paris (el prometido de Julieta, con el cual ésta debe casarse aun sin amarlo) aquí gana un perfil que cae totalmente simpático al público, muy lejos de la caracterización clásica del villano que se supondría en un principio. El papel le cae como anillo al dedo a Mario Chávez, que con un destacado desempeño llega a robarse la escena en algunos pasajes del espectáculo. Finalmente, está Shakespeare, encarnado por Antonio Miranda, quien con una sólida actuación lleva el hilo de la historia, poniéndole además música y dando también alguno que otro guiño para que el espectador prediga la resolución del cuento.

Al final, queda por decir que la alegría sin tregua derrochada a lo largo de la presentación juega en contra de un mejor resultado dramatúrgico, pues la casi total ausencia de conflicto evita que la obra alce vuelo y pueda, de esa manera, ser algo más que una hora de entretenimiento y diversión. Sin la certeza de lo inevitable (característica fundamental de la tragedia) y la angustia de lo irrealizable (marca típica del romanticismo), la obra se ve vaciada en dos de los elementos fundamentales para que se haya convertido en el mayor clásico de la historia de la literatura, sin los cuales Romeo y Julieta no es Romeo y Julieta; es otra cosa, por más linda que sea su puesta en escena y aunque se argumente que esta versión se trata de un musical, comedia romántica o espectáculo infantil.

El espectador debe entonces ir preparado para ver una puesta hecha simplemente para divertir. Si uno va imbuido con este ánimo y nada más, hay que decir que la obra termina siendo un disfrute y que tiene el mérito (no menor, por cierto) de enganchar al público y conectarlo a plenitud con la propuesta presentada. Los 60 minutos terminan siendo placenteros y en ellos se puede apreciar un trabajo que —se nota— es hecho con cariño y que logra dejar a los espectadores con una sonrisa en los labios al final de la presentación, algo que sin duda se agradece.

Como conclusión, si es verdad que el teatro cruceño todavía adolece de propuestas innovadoras y se encuentra en ese aspecto aún a la zaga de lo que se hace en La Paz, Sucre y Cochabamba, también es cierto que se ha avanzado muchísimo en la calidad de las puestas, tanto en lo que se refiere a un mejor manejo escénico por parte de director y actores como en la parte técnica. Punto para Ditirambo, que aún lejos de presentar una obra excepcional, logra un resultado pulcro, entretenido y que seguramente agradará bastante a la mayoría de las personas que tengan el placer de verla.

La Partida de Petra, algo más sobre el escenario

2008-12-03T21:29:00.011-04:00

El viernes, fui a la sala de la Aecid para ver La Partida de Petra, obra que me llamaba la atención por varios motivos. Primero, porque era una rara oportunidad de conocer el trabajo de Claudia Eid en la dirección, ya que por desatención mía no había ido a ver Desaparecidos (2006), su elogiado debut al frente de El Masticadero, la compañía teatral que la artista fundó y en la cual desarrolla su labor luego de su salida de Kíkinteatro, el famoso grupo creado y liderado por Diego Aramburo.

En el 'Kíkin', la había visto actuar en Ese Cuento del Amor (2003), al lado de Aramburo y de Glenda Rodríguez, otra tremenda actriz que hoy también tiene su propia compañía (Opsis Teatro, en Santa Cruz). Además de su origen cochalo, ambas tienen en común el hecho de haberse formado en filas de Kíkinteatro y de haber cosechado un sinfín de premios como directoras del ya tradicional Taller de Teatro de la UPB, en distintas épocas.

Y si de actores se trata, ya conocía también el trabajo de Daniela Gabela (...Feroz) y Alejandro Marañón (Crudo, ...Feroz), por lo que me faltaba tan sólo ver en escena a Daniela Elías, la actriz que completa el trío de personajes que componen esta singular obra. Las buenas críticas recogidas por La Partida... desde su estreno me daban la pauta de que vería una muy buena puesta, idea que luego sería confirmada con creces.

La obra arranca con Petra (Gabela) siendo interrogada por una pareja de inspectores primermundistas (Elías y Marañón), quienes deben decidir si la tercermundista puede o no ingresar a su país y la inquieren sobre su 'extraña' y 'sospechosa' decisión de no tener hijos. Mientras aquélla emprende un viaje a la búsqueda de un lugar y de sí misma, estos últimos sólo desean extrarle un óvulo para poder tener el soñado hijo que no lograron concebir. Es un punto de partida interesante, aunque el inicio algo tibio sirve para situar al espectador pero aún no lo hace intuir lo que está por venir.

Sin embargo, luego a partir de la segunda escena, la historia alza vuelo por un texto bien planteado y un trabajo por demás solvente del trío de actores, que con movimientos chaplinescos se desplazan de un lado a otro, con gran desenvoltura. La pareja, perfecta y a ratos brillante en su caracterización del marido sumiso y la esposa dominadora, regala al público algunos de los momentos más divertidos de la puesta. Por su parte, Gabela maneja con rara facilidad registros que pueden ir desde el drama o la angustia hasta el histrionismo más cómico, como en ese inenarrable baile frente a los inspectores en la discoteca.

Durante toda la extensión de la obra, es notorio el trabajo arduo de los involucrados (directora y actores), porque el resultado en escena no sólo es pulcro, sino tiene ese algo más que solamente los grupos en que hay mucha dedicación, rigor y complicidad logran: esa energía que hace que todo resulte tan armonioso, que actuar (to play) termina siendo exactamente eso, un juego en el que tanto artistas como espectadores se divierten. Un plus que la mayoría de los elencos bolivianos aún no alcanza a ofrecer a su público.

Esa calidad vista sobre el escenario acaba por hacer prescindible el uso de grandes recursos, puesto que tan sólo ocho sillas verdes constituyen la escenografía, que es 'cambiada de lugar' por los mismos actores, los cuales tienen momentos particularmente bien logrados, como ése en que el personaje de Gabela habla de su condición de mujer y de su decisión de no tener hijos, algo que no se transforma en parábola sensiblera por habilidad de la directora y de su actriz, que saben encontrar el tono y el tiempo correcto para no caer en lo discursivo. Aunque el final me pareció un poco abrupto, en ningún caso perjudicó la obra en su conjunto, puesto que a esa altura, ya el trabajo estaba hecho, el mensaje transmitido y el público ganado.

En definitiva, La Partida de Petra es un ejemplo de lo mejor del teatro boliviano actual, con la buena constatación de que sus realizadores son gente muy joven y con suficiente empuje como para seguir en la batalla. Ahora, El Masticadero se prepara para abrir el Festival Nacional de Teatro Bertolt Brecht, cuya undécima edición se inicia este jueves en Cochabamba. Allí estrenará El Feo, con dirección de Eid sobre un texto de Marius von Mayenburg, y las actuaciones de las dos Danielas, Alejandro y Jorge Alaniz. Habrá que estar muy atento al trabajo que esta compañía viene realizando sobre las tablas.

Y los Satyros pasaron por Santa Cruz...

2008-11-10T17:26:00.018-04:00

Desde que Aldea Cultural dejó de ser solamente un portal en Internet para empezar a apoyar de manera más decidida al teatro en Bolivia, ningún proyecto había sido tan ambicioso como el de traer a los Satyros a Santa Cruz de la Sierra.

El hecho es que hacía ya varios años que yo (brasileño de nacimiento y de creación, pese a los más de 10 años en Santa Cruz) acompañaba de lejos el trabajo de esa compañía que hoy por hoy es la más iluminada del teatro en mi otro país. Proceso a proceso, estreno a estreno, crítica a crítica, veía cómo los Satyros iban delineando su luminoso camino y encantando a los espectadores de la Roosevelt, la mítica plaza clavada en el corazón de la capital paulista y que reúne a algunos de los más alocados y brillantes artistas de los escenarios de Brasil.

Así que cuando invité a Ivam Cabral y a Rodolfo García Vázquez, en mayo, a venir para acá, di inicio a la aventura más alucinante que hayamos tenido hasta ahora. Una aventura que algún día deberé narrar en detalles, de tan dramática y arriesgada (¿irresponsable?) que fue concretarla. Al final, es verdad que logramos apenas recuperar los costos y sólo no hemos perdido dinero porque la generosidad de estos artistas es tan grande como su talento, pero también es cierto que hoy me queda una sensación de orgullo única, pues motivos no faltan para ello.

Lo real es que proporcionamos al público que se dio cita a Sonilum un espectáculo como jamás antes se había visto en Bolivia. No, nunca hubo nada ni remotamente parecido por acá... y no sé cuándo volverá a haber. También me da mucho gusto haber visto a Yovinca, Glenda, Paola, Sandra, Fred y tantos otros artistas del teatro local; gente ligada a las tablas y otras artes, como don Marcelo, Marcela Polischer, Alfonso Cortez, en fin...

El público salió excitado (pero no en el sentido sexual, sino más bien en un sentido de 'wow, qué espectáculo') de la sala, se notaba que muchos no creían que tenían a una obra así acá (me encanta captar la reacción del público, siempre miro alrededor para ver las caras y notar qué expresión tienen, en este caso fue algo genial ver a la gente hipnotizada por la actuación de Andressa, Evelyn, Marta, Beto, Diogo, Henrique y Ruy).

Yo, por mi parte, a veces prestaba atención a la obra y en otras pensaba "Sí, los Satyros existen, y se están presentando en Bolivia". Al final, me quedo con las palabras de Marta (qué linda persona), quien con mucho acierto dijo que, durante tres días, el salón París de Sonilum se convirtió en una isla de libertad. Cuánta razón tiene. Y es justamente a esa isla de libertad —y de sueños— a la que quiero regresar siempre, tantas veces como me sea posible en esta vida.

Apuntes

a) los Satyros son exactamente como me los imaginaba: talentosos, entrañables y generosos hasta más no poder.

b) la cerveza boliviana, la pizza cruceña, el ají y el pique macho tuvieron mucho éxito entre ellos.

c) traer espectáculos destinados al público adulto es un suplicio en Santa Cruz; algunas salas te rebotan si saben que la obra tiene 'desnudos' o 'malas palabras', ni siquiera la Casa de la Cultura nos da chance... qué bárbaro, sin comentarios...

d) me estoy convirtiendo en especialista en conseguir dinero de dónde sea en cuestión de pocas horas; ya no más vivir tan al límite, ¡patrocinios ya!!!

e) es muy bueno trabajar con personas como Sonia y Marcela (tremenda especialmente el jueves y el viernes, una prueba de aguante para cualquiera, superada con creces).

f) además, para suerte de los actores, ellas son mucho más simpáticas, amistosas y carismáticas que yo, que soy sólo un chico ensimismado queriendo traer buen teatro a Bolivia.

g) es igualmente bueno ver a amigos, amigas y parientes que te apoyan en momentos críticos y descubrir que puedes contar con ellos y que se preocupan junto con vos aún cuando no tendrían por qué hacerlo.

h) algún día debería narrar la crónica de cómo conseguir miles de bolivianos en cuestión de dos horas (me sentí como Franka Potente) o de cómo aprender a hacer engrudo e ir a pegar afiches personalmente a la 1 de la mañana, agotado por días de trabajo sin respiro, con un promedio de 3 horas de sueño diarias.

i) la nota de El Deber lo cambió todo; con cobertura, todo queda más fácil, es tan simple...

j) ya estamos planeando nuestras próximas aventuras teatreras; como no nos quedamos cortos, queremos más ciudades en el circuito; queremos traer a más grupos; queremos a los Satyros otra vez aquí; queremos comprar derechos para hacer montajes; y hasta queremos creer que vamos a construir algo.

Ya veremos...

PD: Gracias también a Sonilum, La Tirana y Café Lorca, que de diferentes maneras nos ayudaron a que esto fuera posible.

Ficha técnica

Dirección: Rodolfo García Vázquez
Elenco: Andressa Cabral, Evelyn Ligocki, Marta Baião, Beto Bellini, Diogo Moura, Henrique Mello, Ruy Andrade
Texto: Rodolfo García Vázquez, a partir de la obra homónima del Marqués de Sade
Iluminación: Flávio Duarte
Sonido: Poeta Queiroz Filho
Escenografía y vestuario: Marcelo Maffei
Producción ejecutiva: Evelyn Ligocki
Lugar: Sonilum, Santa Cruz de la Sierra (Bolivia)
Fechas: 31 de octubre, 01 y 02 de noviembre de 2008

Foto: Zé Carlos Barretta

Aldea Cultural ya tiene su blog

2008-11-10T17:18:00.006-04:00

Luego de poco más de dos años en la red, llegó la hora de que Aldea Cultural tenga su propio blog. Esta decisión ha sido pensada por un largo periodo, una vez que los blogs culturales suelen ser desiertos de comentarios. No voy a decir que éste será diferente... pero igual, la idea es compartir textos e ideas que por una u otra razón no tienen espacio en la página principal del portal. Si este espacio además genera algún tipo de interacción, mejor, pero independientemente de eso trataré de actualizarlo tantas veces como sea posible. Sean todos bienvenidos.